Ir al contenido principal

CoBrA: el experimento como libertad

El grupo CoBrA fue creado en 1948 por jóvenes artistas y poetas que buscaban una experiencia creativa definida por la máxima libertad, donde pudieran convivir fluidamente la imagen y la palabra. La acción del colectivo respondía al escenario que emergió en Europa después de la Segunda Guerra Mundial, el cual ellos vieron propicio al despliegue de una actitud creadora vinculada a la expresión espontánea y auténtica del dibujo infantil y el arte primitivo. Con una duración de tres años, CoBrA ejerció una notable influencia en las siguientes generaciones de artistas.


CoBrA, el arte como experimento

CoBrA fue un colectivo de artistas con sede en Países Bajos, cuyos miembros provenían de Copenhague, Bruselas y Ámsterdam. La combinación de los nombres de estas ciudades daría como resultado el acrónimo con que se conoció a este importante grupo de arte experimental. Fundado en París en 1948 por los poetas Christian Dotremont y Joseph Noiret, junto con los pintores Karel Appel, Constant, Corneille y Asger Jorn, el grupo CoBrA tuvo una intensa duración de tres años. En ese tiempo intentaron ubicarse más allá del área de influencia del epicentro parisino, así como articular una experiencia revolucionaria capaz de afectar aspectos como la creación, la autoría y la originalidad. En este camino, el proceso de realización de la obra llegaría a ser más importante que el resultado final.


La búsqueda de un nuevo modelo de sociedad

Terminada la Segunda Guerra Mundial, parte de la juventud asumió que el contexto para la creación era muy diferente al de las vanguardias históricas de antes de la guerra. Algunos, reconociendo como necesario otro sentido expresivo para la abstracción, atendieron al carácter primitivo e infantil del trabajo de Paul Klee y Joan Miró, que conectaba con la naturaleza ingenua y experimental que buscaban en sus nuevas propuestas. Querían también dirigir el concepto de artista hacia una visión más colectiva de la creación que promoviera un modelo de sociedad basado en otro tipo de aspiraciones. Estas reflexiones se concretaron en experiencias como el Surrealismo Revolucionario (Bruselas, 1947), el Reflex, Grupo Experimental (Países Bajos, 1947), o el grupo danés Høst. Sería a partir de la convergencia de estos antecedentes que se produjo el nacimiento de CoBrA.


Hacia un arte libre, auténtico y espontáneo 

CoBrA se constituyó en París el 8 de noviembre de 1948. En esta fecha, reunidos en el café-hôtel Le Notre-Dame, los jóvenes Karel Appel, Constant, Corneille, Christian Dotremont, Asger Jorn y Joseph Noiret firmaron un manifiesto al que dieron por título "La cause était entendu" ("El caso fue escuchado"). El título hacía referencia irónica a “La cause est entendu”, otro manifiesto de julio de 1947, preparado por las ramas belgas y francesas del Surrealismo Revolucionario en el marco de la Conferencia del Centro Internacional de Documentación sobre Arte de Vanguardia. CoBrA reaccionaba así en contra del ambiente estéril y autoritario que encontraban en el surrealismo y sus variantes. En su empeño de alcanzar un arte verdaderamente libre, espontáneo y auténtico, su fundación rompía con la tradición clásica y las vanguardias de antes de la guerra.


Nuevas vías para la creación artística

El propósito de querer alcanzar un arte más auténtico que tuviera como centro el acto creativo permite enumerar algunas de las características del trabajo de CoBrA:

  • Desplazamiento del protagonismo de la teoría en favor de una práctica libre y espontánea.
  • Distanciamiento con respecto al surrealismo, el dadá, el arte abstracto o cualquier corriente que los miembros de CoBrA pudieran considerar demasiado teórica o cerebral.
  • Ruptura con el surrealismo francés, personificado en André Breton.
  • Primacía del proceso de realización de la obra sobre cualquier especulación teórica que se pudiera hacer acerca del resultado final.
  • En consonancia con el idealismo de izquierda de los miembros del grupo, rechazo al concepto de genio artístico único y fomento de la obra colectiva expresada en murales, litografías y publicaciones.
  • El interés por la obra compartida contribuyó a buscar la superación de los límites entre pintura y escritura.
  • Empleo de colores vivos, pinceladas gestuales e impulsivas y el uso de formas geométricas que remiten al arte tribal y al dibujo infantil, de allí las pinturas semi abstractas y las figuras humanas y de animales distorsionadas.
  • Y por sobre todo, un gran deseo de experimentar nuevas vías para la creación artística lejos del canon establecido por la civilización occidental. 


Algunos ejemplos del trabajo de CoBrA

A lo largo de su trayectoria, CoBrA emprendió diversas actividades de reflexión y encuentros entre creadores de distintas disciplinas, así como la edición de una revista, pero entre sus proyectos más notables se encuentran la “Exposition Internationale d'Art Experimental”, realizada en el Stedelijk Museum de Ámsterdam en 1949, que enfrentó duras críticas por el carácter de las obras exhibidas, y la segunda edición de esta muestra que se presentó en el Palais des Beaux-Arts de Lieja, en 1951, que marcó la disolución del grupo. Las siguientes obras pueden dar una idea aproximada de los propósitos del grupo y de algunas de las soluciones creativas que alcanzaron.


Automolok
Asger Jorn
Automolok, 1948
Óleo sobre tela
99,5 x 80 cm
Museum Jorn, Silkeborg

Mens en Dieren
Karel Appel
351,6 x 358,5 cm
Stedelijk Museum, Ámsterdam

Vragende kinderen
Karel Appel
Guache sobre madera
108,4 x 81,8 x 22 cm
Tate, Londres

Après nous la liberté
Constant
Óleo sobre tela
139,5 x 106,6 cm
Tate, Londres

Un legado que supera la actividad del grupo

Luego de su separación en 1951, algunos de sus miembros se mantuvieron cercanos, en especial Dotremont que continuó colaborando con varios de los líderes del grupo. A pesar de que en un principio sus obras se valoraron como demasiado simples, CoBrA ha pasado a la historia como el primer movimiento de vanguardia europea después de la Segunda Guerra Mundial. Entre sus aportes se cuentan el componente lúdico y visceral que hizo al expresionismo abstracto que dominaba en aquella época. Hoy en día su legado se mide por la influencia que ejerció en el proceder creativo del grupo y en la práctica de otros artistas que vinieron después de ellos. Ese espíritu renovador tuvo continuidad en la Internacional Situacionista, quienes rechazaban la lógica utilitaria de la sociedad de consumo y aspiraban a hacer de la ciudad un laboratorio para el ejercicio de la libertad y el esparcimiento.


También te puede interesar (enlaces patrocinados):

Cobra: the history of a European avant-garde movement 1948-1951. Willemijn Stokvis. Traducción: Rosalind Buck. Edición en inglés. NAI Uitgevers, 2016. 400 páginas.

Cobra: The Last Avant-Garde Movement of the Twentieth Century. Willemijn Stokvis. Edición en inglés. Lund Humphries Publishers Ltd, 2004. 352 páginas.

Comentarios

Entradas populares de este blog

Nam June Paik: pionero del videoarte y visionario tecnológico

 Nam June Paik, nacido en Seúl, Corea del Sur, el 20 de julio de 1932, fue un artista visionario que trascendió las fronteras tradicionales del arte para convertirse en pionero del videoarte y figura clave en la exploración del potencial creativo de las tecnologías emergentes. Su vida y obra estuvieron marcadas por una constante búsqueda de nuevas formas de expresión artística, desafiando las convenciones y abriendo nuevos caminos para la creación artística en la segunda mitad del siglo XX. Paik pasó su infancia en Corea y Japón, donde recibió una educación musical clásica. En 1950, debido al estallido de la Guerra de Corea, su familia se vio obligada a desplazarse, primero a Hong Kong y luego a Japón. En Tokio, Paik completó sus estudios en la Universidad de Tokio, graduándose en 1956 con una licenciatura en Historia del Arte y Música. Inmersión en el mundo del arte y Fluxus Tras graduarse, Paik se trasladó a Alemania Occidental, donde se sumergió en el vibrante ambiente artístico...

James Baldwin: el escritor y el activista

James Baldwin fue un escritor estadounidense que desafió las normas y utilizó su creatividad como herramienta de activismo social. Gracias a su exilio en París pudo conseguir un espacio más libre para explorar temas tabúes y desarrollar su voz como escritor. James Balwin, 1969. Foto: Allan Warren, vía Wikipedia James Baldwin (Nueva York, 1924-Saint-Paul de Vence, 1987) fue un novelista estadounidense, además de ensayista, dramaturgo, poeta y activista por los derechos civiles. Es reconocido por novelas como Ve y dilo en la montaña , el ensayo El fuego la próxima vez o piezas teatrales como Blues para Mr. Charlie . Como escritor, Baldwin desarrolló su obra desde la búsqueda de la libertad creadora a pesar de las críticas que esto le acarreaba entre el público, una libertad que se expresó en el planteamiento de temas complejos sobre la humanidad y la existencia. Activo entre 1947 y 1985, su vida y su obra tuvieron que enfrentar el sistema de opresión e intolerancia hacia los ciudadanos ...

Eva Lootz: la vida entrelazada con el arte

Vista de la exposición "Eva Lootz. Hacer como quien dice: ¿y esto qué es?" en el Museo Reina Sofía. Junio, 2024. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Archivo fotográfico del Museo Reina Sofía Eva Lootz nació en Viena, Austria, en 1940. Desde temprana edad, se ve envuelta en un ambiente artístico e intelectual que marcará profundamente su trayectoria profesional. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde se graduó en 1962. Su formación no se limita únicamente al ámbito artístico. Paralelamente a sus estudios en Bellas Artes, Lootz cursó Filosofía y Musicología, disciplinas que nutren su visión del mundo y enriquecen su sensibilidad artística. Además, se licenció en Dirección de Cine y Televisión, demostrando su versatilidad e interés por las distintas formas de expresión creativa. Llegada a España y desarrollo artístico En 1965, Eva Lootz tomó una decisión crucial en su vida: se trasladó a España junto a su pareja, el también artista Adolfo Schlosser. Este c...

Fernando Zóbel: el artista de la pintura tranquila

Su obra se caracteriza por una elegante síntesis de influencias occidentales y orientales que le permitió explorar las posibilidades expresivas de la abstracción con una sensibilidad única. Fernando Zóbel Un crisol de culturas: Manila, Harvard y España Fernando Zóbel de Ayala y Montejo nació en Manila el 27 de agosto de 1924, en el seno de una familia acomodada de origen vasco con profundas raíces en Filipinas. Su infancia transcurrió entre Manila, Suiza y España, un entorno cosmopolita que marcó su carácter y su visión artística. Este crisol de culturas se enriqueció con su formación en la Universidad de Harvard, donde se licenció en Filosofía y Letras, lo que confirma una inquietud intelectual que trascendió lo puramente artístico. A pesar de su interés por la literatura y la filosofía, Zóbel encontró en la pintura su verdadera vocación, que dio inicio a su trayectoria artística a principios de la década de 1950. El diálogo entre Oriente y Occidente La formación artística de Zóbel fu...

Marcos para dibujos infantiles: una forma creativa de exhibir y atesorar el arte de tus hijos

El arte está en todas partes, no solo en los museos. Los trabajos escolares de artes plásticas de los niños, por ejemplo, son además de una forma de aprendizaje, una ventana a su sorprendente mundo interior. Aquí te explicamos una manera de organizar, preservar y sobre todo disfrutar de esas obras maestras de los más pequeños de la casa. En calidad de Afiliado de Amazon, obtenemos ingresos por las compras adscritas que cumplen los requisitos aplicables Dibujos y más dibujos Además de ser una valiosa forma de expresión y aprendizaje, los dibujos y pinturas que hacen nuestros hijos en la escuela o en sus ratos libres son también una ventana a su mundo interior. De allí que siempre surge la duda de no saber qué hacer con todos esos trabajos de artes plásticas que van acumulando a lo largo de sus primeros años en la escuela. Se podría  hacer una selección de los más entrañables, o bien digitalizarlos y almacenarlos en un pen, o quizás guardarlos en una caja que con el tiempo muy probab...

Gonzalo Juanes: la precocidad del color

 Gonzalo Juanes fue un fotógrafo visionario que desafió las normas establecidas y abrió nuevos caminos para la fotografía española. A pesar de ser un gran desconocido para el público en general, Juanes es considerado una de las figuras más influyentes de la fotografía española, sobre todo por su obra sensible, innovadora y comprometida con la realidad de su tiempo. Gonzalo Juanes. Calle Serrano . Madrid, noviembre 1965. Foto cedida por PHotoESPAÑA 2024 Nacido en Gijón, Asturias, en 1923, Gonzalo Juanes Cifuentes se adentró en el mundo de la fotografía desde temprana edad, cautivado por su potencial como herramienta de expresión y medio para capturar la esencia de la realidad. A pesar de formarse como perito industrial, su pasión por la fotografía lo impulsó a explorar de manera autodidacta las técnicas y lenguajes de este arte. Inmersión en el mundo fotográfico En 1953, con 30 años, Juanes se trasladó a Madrid, ciudad que le brindó un entorno propicio para profundizar en sus c...